Beethoven fue el punto de partida para el repertorio pianístico con sus sonatas para piano, de neta inspiración romántica.
Fue el piano el instrumento romántico por excelencia, ya que se prestaba para toda clase de matices que la música de la época requería. El pianismo del siglo XIX abarca dos facetas principales: la intimista (piezas breves de menor despliegue técnico) y la virtuosística (piezas de mayor envergadura con grandes dificultades técnicas).
Las formas más usadas son las llamadas “Piezas de fantasía”, las que como su nombre lo indica, son libres y permiten mayores posibilidades de expresión al no sujetarse a un esquema prefijado.
Schubert
Además de haber compuesto varias sonatas, escribió una serie de “momentos musicales” y de impromptus, junto con una gran cantidad de piezas breves que constituyen el aspecto más romántico de su obra.
Mendelssohn
Lo mejor de su obra para piano lo constituyen sus “Variaciones series”, aunque lo más conocido son sus “Romanzas sin palabras”
Schumann
Su obra pianística más importante la constituyen series de piezas agrupadas bajo un título que las reúne por un tema determinado (“Carnaval”, “Papillons”, “Danzas de la liga de David”). Además tiene una serie de obras mayores como “Estudios sinfónicos”, “El carnaval de Viena” y una gran cantidad de piezas breves: “Escenas infantiles”. Sus obras demuestran un especial interés en la exploración en el aspecto armónico.
Además compuso varios cuartetos para cuerdas y quinteto (para cuartetos para cuerdas y piano),
Chopin
Es, en especial un compositor de música para piano y principalmente, representante del pianismo que se basa en la utilización de formas breves. Compuso dos conciertos para piano; el resto de su producción la constituyen los valses, las mazurcas, las obras de mediana longitud como los impromptus y las variaciones y las obras de características más libres como estudios, baladas, nocturnos, polonesas y scherzi.
Los aportes más importantes de Chopin al piano pueden resumirse en la extensión de los acordes y la utilización de armonías cromáticas y enarmónicas, que luego serían tomadas como modelo en el romanticismo de fin de siglo.
Liszt
Sus aportes pueden sintetizarse en dos tipos: La extensión de los acordes y la explotación al máximo de las posibilidades virtuosísticas y lo referente a la velocidad de ejecución, y los nuevos experimentos armónicos sobre todo en sus últimas obras.
Su repertorio más conocido es el virtuosístico, integrado especialmente por sus Rapsodias húngaras, pero también compuso grandes obras como “Estudios trascendentales”, los cuadernos titulados “Años de peregrinaje”, los conciertos para piano y orquesta, etc.
Brahms
Compuso sonatas para piano, baladas, variaciones, y rapsodias, además de una serie de piezas breves y obras para dos pianos. También fue uno de los pocos en componer música de cámara durante el Romanticismo: cuarteto de cuerdas, quinteto con clarinete, tríos, sexteto para cuerdas, etc.
La música de Cámara
El Lied
Posteriormente a Schubert, encontramos dentro de este género las figuras de Schumann, Brahms y Wolf. Schumann compuso numerosos Lieder alrededor de 1840; muchos están agrupados en ciclos, entre los qe se destacan “Amor y vida de mujer” y “Amor de poeta”. Brahms escribió más de 200 Lieder y en todos ellos la voz adquiere un papel preponderante por sobre el acompañamiento pianístico.
El violín
Así como el piano representó la
potencia del progreso industrial, el violín fue la máxima expresión de lo
artesanal. Su práctica aumentó merced a los nuevos conceptos orquestales
organizados en torno a las familias de instrumentos y su voz principal en el
medio sinfónico. El misterioso y romántico Paganini
superó a importantes violinistas de la época como Rovelli, Sivori, Milanollo o
Tua, a la vez que en Francia triunfaron los sucesores de Baillot como Mazas y
Habeneck, además de Kreutzer al que Beethoven dedicó su Sonata op. 47.
Nació como manifestación germana en obras de Hoffmann y Carl Maria von Weber. A este primer período (de 1800 a 1830, en la Europa sacudida por las revoluciones) pertenecieron gran parte de los lieder de Schubert, varias obras maduras de Beethoven y algunas óperas de Rossini. El segundo período romántico abarcó desde 1830 hasta la mitad del siglo, cuando las revueltas sociales ocupaban Europa en 1848. El ojo del huracán renovador de la música pasó de Viena a París, que se inspiró en el romanticismo literario de Víctor Hugo y Alejandro Dumas, y que puede ejemplificarse con la obra de Berlioz, en el virtuosismo de Paganini y Liszt, en la poesía sonora de Chopin y Schumann, o en la nueva ópera de Wagner. El período desde mediados hasta el final del siglo fue la era del posromanticismo
Es el momento estético en que las artes van a estar más unidas entre sí. La palabra “romántico” aparece por primera vez en Inglaterra con sentido peyorativo, referida a hechos que suceden solamente en los cuento o en las novelas. Como movimiento filosófico y estético comienza en Alemania y se difunde rápidamente por el resto de los países de Europa e incluso llega a América.
Las características principales son:
El hecho de plantearse el arte como un movimiento conflictual que lleva al enfrentamiento del yo con la sociedad que rodea al artista
Un excesivo individualismo que surge como aislamiento del artista frente a una sociedad que él cree que no lo comprende
El énfasis puesto en lo enfermizo y en lo patológico
La pérdida de los valores absolutos para basarse únicamente en el devenir o sea en el transcurrir del tiempo
La búsqueda del suicidio como solución al amor ideal que no puede concretarse
El retorno a la infancia como refugio y época en la cual se cree en los cuentos fantásticos
El énfasis en los temas relacionados con la brujería, el demonio,
El deseo desmedido del conocimiento (o impulso fantástico)
El amor como tema fundamental de toda obra de arte
La pérdida de la forma y el abandono de las estructuras prefijadas para lograr mayor expresividad dentro de la máxima libertad.
En cuanto a la música podemos decir
que la melodía adquiere un vuelo lírico predominando como expresión del
sentimiento. Dichas melodías vuelan cada vez más hacia el cromatismo, apoyadas
por armonías disonantes, acordes de 7ª, 9ª, 11ª y 13ª. Las modulaciones se
realizan cada vez a tonalidades más lejanas. Esto genera una ambigüedad tonal
llamada tonalidad fluctuante, que bien podremos apreciar ya en el Preludio de
la ópera de Wagner, “Tristán e Isolda”.
En el ritmo encontraremos la
aparición de la polirritmia y las síncopas. También se usan con frecuencia valores irregulares como
dosillos, quintillos, etc. como bien se puede observar en la siguiente partitura.
Lo más destacable es el uso del
tempo rubato (o robado). Es el ejecutante quien decide las aceleraciones o
rallentandos a gusto, para lograr la máxima expresión de los sentimientos.
La textura puede fluctuar entre
melodías acompañadas (lied), polifonías verticales y horizontales, y la combinación de todas ellas.
Las formas líricas breves tuvieron
mucho auge. Las canciones (lieder) y piezas para piano (estudios, preludios,
valses, mazurcas, polonesas). La sonata amplía la forma del Clasicismo, ya que
en algunas se introducen 3 y 4 temas.
La música programática
La sinfonía programática:
Es una
sinfonía que se desarrolla en torno a la descripción de un programa o
argumento, generalmente de carácter literario. Esta forma fue primero
definida por Berlioz a partir de su Sinfonía Fantástica yperfeccionada
luego en obras como Harold en Italia o Romeo y Julieta, enriqueciéndose
con los posteriores aportes de Liszt.Tiene un
contenido extra-musical, que depende de la lectura previa de un texto por parte
del oyente. De esta forma, el oyente se encuentra influenciado por imágenes
producidas por dicho texto, es decir, programa su cerebro para relacionar la
música con el guión previamente leído.
Poema sinfónico: Es una composición en un solo
movimiento, basada en elementos poéticos o descriptivos. El creador de este
género es Liszt
El músico romántico
El paradigma del compositor del siglo XIX fue Beethoven. Atormentado por una infancia infeliz, encontró en la música un medio de expresión para el alma. Surgió un nuevo tipo de músico: el consagrado a la composición y no a la interpretación. Así, el papel del artista romántico mostró orgullo por ser un genio incomprendido. Por primera vez en la historia de la música, los artistas compusieron obras que no fueron encargadas y las destinaron a un público futuro... música para la eternidad. Aunque las palabras que siguen eran para Víctor Hugo, podrían aplicarse a los músicos de la época: "Es regocijante contemplar la diligencia con que los románticos aplican la tea a todo lo divino y lo humano, echándolo todo abajo, y acarrean grandes carretadas repletas de normas, y los Clásicos desaparecen del escenario del conflicto".
El romanticismo en Alemania
Aparece como consecuencia de un movimiento anterior conocido con el nombre de “Sturm und Drang” que basaba en la expresividad. Se caracteriza por la búsqueda de lo popular y la exaltación de la Naturaleza como origen de la vida y de lo folclórico de cada pueblo como fuente de inspiración. En este país se realizaron una serie de recopilaciones de cuentos y leyendas populares folclóricas sobre las cuales se escribían luego las novelas, cuentos, etc. Los más importantes recopiladores fueron los hermanos Grimm.
El romanticismo en Francia
Aquí las ideas estéticas y filosóficas se mezclan con el idea de libertad y se vuelven revolucionarias.
Inglaterra
La estética romántica toma características muy liberales y tiene como tema principal lo que se conoce como “novela negra”, que hace hincapié en los seres mitológicos y fantásticos, representada por Schelley, Kyats y Byron.
La música y los contemporáneos de Beethoven
En especial para los alemanes, era el equivalente de la libertad interior, que permitía con mayor fidelidad el proyectarse sentimentalmente y el único que expresa el continuo devenir de la vida y del espíritu por lo que se va a erigir en la expresión más importante del hombre. La música era el arte supremo ya que representaba el ideal de la forma más intangible posible, dado que no apelaba a nada concreto.
Schubert (1797-1828)
Vive la misma encrucijada musical que Beethoven entre lo clásico y lo romántico.
Sus sinfonías tenían carácter más bien clásico. Donde demuestra su espíritu romántico es en la composición de Lieder (canciones con acompañamiento de piano). Schubert compuso baladas (“El buzo”, “el rey de los alisos”, etc.) pero no constituyen lo más importante de su producción para canto y piano, como si lo son sus Lieders. Escribió alrededor de 600 sobre textos de Göethe, Schiller, Scott, Shakespeare, Dante, Tetrarca, entre otros. La mayoría no tienen relación entre sí.
Carl M. Von Weber (1786-1826)
Desde joven escribió obras para teatro ya que su padre era cabeza de una compañía teatral. Sus obras más importantes son las óperas como “El francotirador”, “Oyeron” y “Euryanthe”.
No se diferencia de su predecesora barroca. Recitativo y aria siguen siendo los protagonistas, mientras que los conjuntos y los coros conservan la misma importancia proporcional. Respecto a la orquesta, la de Mozart tiene un papel omnipresente en el drama.
L´opera comique:
Es una ópera parcialmente hablada, prima hermanad de la opera bufa. Los personajes proceden directamente de la comedia dell´ arte. El argumento no hace referencia a la mitología, sino que son personajes más humildes y dispuestos a burlarse de las instituciones. El estilo del canto no es otro que el del Vodevil (voz de ciudad) .
Singspiel:
Como género está muy próximo a la ópera bufa y a la ópera comique. Los diálogos reemplazan a los recitativos y los medios musicales son bastante simples. Un ejemplo de ello es "La flauta mágica"
n
La música religiosa
La música religiosa va a estar en declive en esta época, ya que tanto la música instrumental como la ópera se van a convertir en géneros mucho más solicitados por el público en general.
En el terreno de la música religiosa, no cabe señalar grandes cambios musicales respecto a la época anterior. Se seguirán creando prácticamente los mismos géneros, dentro de los cuales destacará la misa. Un tipo de misa especial que va a adquirir gran importancia en este periodo es el Réquiem.
n
El Réquiem es la música compuesta para la misa de los difuntos de la Iglesia católica. Dicha música es ligeramente distinta de otras misas, ya que se prescinde de las partes consideradas demasiado alegres para una ocasión de duelo.
Dentro de este tipo de género, podemos destacar "El Réquiem de Mozart", obra maestra de la música clásica. Según cuenta la leyenda, esta obra le fue encargada a Mozart por un desconocido. El compositor, que entonces ya estaba gravemente enfermo, creyó que se trataba de un encargo del más allá para su propio funeral y murió componiendo la séptima parte de la obra que lleva por título Lacrimosa. Esta parte termina con la palabra Amen, palabra que se utilizaba al final de la misa, algo extraño teniendo en cuenta que a Mozart aún le quedaba la mitad del réquiem por componer. La obra sería completada , siguiendo las instrucciones que el compositor dejó escritas, por su alumno Süsmayr.
El origen hay que buscarlo en el Barroco del ballet cortesano y la sinfonía. Es siempre una pieza orquestal y su función dramática anima a los compositores a practicar todos los efectos contrastantes de instrumentación y de intensidad. La obertura preludia generalmente un drama lírico.
Minueto
El minuet es un baile francés que se incorporó al ballet y a la suite barroca. Es una danza rápida de 3 tiempos. Algunos que se pueden mencionar son Minueto y trío K. 1 de Mozart, Minueto de la Octava sinfonía de Beethoven.
Sonata
En esta época se separa de la suite. Mantiene sus 3 movimientos Vivo-lento- vivo; siendo forma sonata para el primero, forma lied o variación para el segundo y rondó para el último. Tienen preponderancia las sonatas para piano o piano y violín. Podemos nombrar más de 60 sonatas para piano o clavicémbalo de Haydn, sonatas para piano o piano y violín de Mozart, 32 sonatas para piano de Beethoven, etc. Finalmente mantiene su forma en 4 movimientos:
1º (en forma sonata) Allegro
2º Lied, Andante (o tema con variaciones)
3º Minué o Scherzo
4º Allegro (también en forma sonata) o rondó
Sinfonía
Es una sonata escrita para orquesta, con varios movimientos (Symphonia del griego “acorde de voz”). Recién en la segunda mitad del S´ XVIII es cuando este género se consolida. De la sonata en trío recoge el principio de igualdad de las partes, tomando su esquema formal más habitual:1. Allegro (forma sonata) 2. Movimiento lento (lied, variación…) 3. minueto (tomado de la suite) y 4. Final (Rondó, forma sonata).
El número de músicos que componía la orquesta, que en Bach era de unos 20 y en Häendel, de unos 32, aumentó considerablemente hasta 50 o 60 músicos. Podemos mencionar 107 sinfonías de Haydn, 41 sinfonías de Mozart, 9 sinfonías de Beethoven, entre otras.
Concierto para solista
Se diferencia del concerto grosso en que el grupo de solistas es reemplazado por un solo instrumento. Es decir, es una sonata para instrumento solista y orquesta. En la época del clasicismo vienés se multiplican los conciertos para diferentes instrumentos: violín, violonchelo, piano, trompa, trompeta, etc. Entre las obras compuestas de este género se encuentran: Concierto para trompeta de Haydn, Concierto para violín K 219 de Mozart, concierto en re para violín de Paganini, entre otros.
Cuarteto de cuerda
La formación más corriente eran dos violines, una viola y un violonchelo y era un género principal de la música de cámara. También utilizaba la sonata para expresarse. El cuarteto de cuerda a veces adquiere la apariencia de trío con la incorporación de un instrumento añadido como el piano, flauta, clarinete, trompa, etc. Fue Haydn quien dio el impulso al cuarteto explorando nuevos efectos para el lenguaje instrumental y abandonando el bajo continuo. Constaba de cuatro movimientos y su esquema estructural es tomado de la sonata. Algunas obras maestras del género son: Cuarteto “La salida del sol” de Haydn, Cuarteto “de las disonancias” de Mozart, el º14 cuarteto y la Gran Fuga de Beethoven entre otras.
Es el músico que representa la transición del clasicismo al romanticismo. Sus primeras obras pertenecen al período clásico (primeras variaciones, sonatas para piano, cuartetos, etc.) Luego estudia con Haydn y compone otras sonatas para piano, música de cámara y la 1º y 2º sinfonía, dentro de la estilística y del equilibrio, clásicos.
En 1804 compone su 3º sinfonía “Heroica”, considerada punto de cambio de su estilo y comienzo del romanticismo dentro de su producción (aunque esto no puede ser tomado en sentido absoluto y estricto). A partir de allí, el resto de sus sinfonías, sonatas, conciertos y música de cámara pueden ser considerados, en líneas generales, como obras románticas.
Para Beethoven el objeto del arte no era el entretenimiento sino el mejoramiento moral del hombre (ética platónica- clásica, pero romántica en cuanto a la función casi religiosa del artista)
Había estudiado con Sanmartín y desde el punto de vista operístico escribió primero una serie de óperas italianas que obtuvieron éxito, además de obras en francés, pero su etapa más importante comienza con “Orfeo y Eurídice” (1762) que se considera la primera ópera reformada.
Esta reforma consistía en especial en la defensa de lo natural y lo razonable, mucho más verosímil y con menor importancia de lo maravilloso, ya que el libreto reduce la acción a los conflictos básicos, con personajes convincentes y humanos aunque con final feliz.
La reforma musical consiste en destacar las cualidades dramáticas del tema, eliminar los largos pasajes narrativos y reemplazarlos por un recitativo acompañado expresivo con cuidado de la prosodia y significado del texto; las arias en cambio, se acercan más a la declamación, evitando lo florido y el despliegue puramente vocal.
Algunas obras que se pueden mencionar son “Alceste”, “Ifigenia en Aulide”, “Ifigenia en Táuride”, etc.
La experiencia más importante adquirida por Mozart desde el punto de vista de su futuro como músico, fue la que recogió durante sus viajes, realizados con su padre y hermana, sobre todo por Italia, dando conciertos como niño prodigio.
Tenía cuatro años cuando tocaba el clavicordio y componía pequeñas obras de considerable dificultad; a los seis, tocaba con destreza el clave y el violín. Podía leer música a primera vista, tenía una memoria prodigiosa y una inagotable capacidad para improvisar frases musicales.
Nunca se relacionó bien con la gente de la corte, con lo cual nunca tuvo respaldo por parte de ella, lo que le ocasionó siempre serios problemas económicos.
Compuso sinfonías, sonatas, conciertos, óperas, misas, música de cámara y un Réquiem, dentro de los ideales del estilo del clasicismo, pero sin descuidar la expresividad, lo cual conforma una unidad estilística única que lo caracteriza y lo distingue.
En 1768 realiza su primera visita a Viena y compone su primera ópera con doce años: La finta semplice.
Entre sus principales obras se encuentran:
· Cinco Conciertos para violín.
· Concierto en mi bemol mayor para piano y orquesta.
· La finta giardinera.
· Idomeneo (ópera).
· Las bodas de Fígaro (ópera).
· Don Giovanni (ópera),
· Eine Kleine Nachtmusik.
· Sinfonías Nº 39 en mi bemol mayor, Nº 40 en sol menor y Nº 41 Júpiter en do mayor.
· La flauta mágica (ópera).
. Réquiem.
Las óperas italianas de Mozart
Ya se ha dicho que durante sus viajes por Italia, había recibido un fuerte influjo de la música de ese país. Fruto de ese influjo fueron sus óperas en idioma italiano: “Mitridate”, “Lucio Silla” (óperas serias de su primera época), “La finta semplice”, “La finta giardiniera” (óperas bufas), “Cosi fan tutte”, “Don Giovanni” y “Las bodas de Fígaro” (obras maestras dentro del género bufo) donde logra describir con exactitud la psicología de sus personajes.
Las óperas alemanas de Mozart
Las más importantes corresponden al período de madurez del compositor y se encuadran dentro del género “Singspiel” (de “Sing”, cantar y “Spiel”, teatro hablado) que incluye pasajes musicales junto con diálogo hablado y son “El rapto en el serrallo” y “La flauta mágica” (en la que se incluyen simbolismos masónicos).
Durante el siglo XVIII Europa vive una serie de levantamientos y acontecimientos políticos que llevarían a la revolución francesa.
Las ideas de Voltaire y Rousseau eran muy tenidas en cuenta, sobre todo lo referente a la libertad dentro de la cual debe vivir el hombre porque nace libre (“El contrato social” de Rousseau sostiene esto último a la vez que la idea que es la sociedad la que lo corrompe. Se comienza a creer también en la igualdad de los individuos independientemente de cuál haya sido su cuna o cuál sea su posición social.
Es en este momento que comienzan a formarse una serie de organizaciones basadas en la tolerancia, el amor fraternal y el conocimiento entre las cuales se destacó la masonería.
Clásico significa que tiene valor
permanente.
En pintura habrá un predominio de la línea y una interesante
búsqueda en el equilibrio del color.
En la música encontramos obras muy equilibradas, de
contenido bello, no se excede en reflejar emociones extremas, aunque algunos
compositores se exceden como Mozart con su Réquiem
Entre la gente culta se nota un renovado interés por las civilizaciones de la antigüedad, debido al redescubrimiento del arte griego (en especial después del descubrimiento de Herculano y Pompeya), con el consecuente rechazo del Rococó por su frivolidad y la creencia de que el arte debía servir a una intención moral y ética, mejorar la humanidad.
Desde el punto de vista económico cabe destacar que era común que el ciudadano de buena posición se convirtiera en mecenas, aunque el sostenedor más importante de los conciertos fue el mismo público, ya que en esta época el concierto público pago comienza a ser un hecho frecuente. Este hecho dio como resultado el que la música llegara a un público mucho mayor y el que tomara auge el músico aficionado, para el también se compuso mucha música de menor dificultad en cuanto a su ejecución.
Clasicismo vienés: Aunque este período fue muy breve en comparación con otros períodos, se define como un momento de equilibrio en las formidables tensiones que se ejercen entre la voluntad estabilizadora de la tonalidad en su madurez y las premisas de un romanticismo incipiente. Es en este período donde se produce la génesis del cuarteto de cuerda y de la sinfonía y desaparecen numerosos géneros barrocos.
Al ocaso del Barroco y nacimiento del clásico suelen relacionarse la muerte de J. S. Bach en 1750 y la muerte de Beethoven en 1827. El comienzo de la transición se produce con el estilo galante francés, el nuevo tono italiano, el rococó y el estilo sentimental de las escuelas de Mannhein, Berlín y Viena, en donde hallamos al joven Franz Joseph Haydn.
En cuanto a música, la segunda mitad del siglo XVIII se caracteriza por la llegada definitiva de la tonalidad y la supremacía musical germana. La sustitución del clavicémbalo por el piano y la rápida desaparición del bajo continuo caracterizan esta nueva etapa europea. La trompa adquiere junto al clarinete un lugar relevante dentro de la música clásica.
Las características generales de la música clásica podemos decir que son las siguientes:
- Se busca una música delicada, muy brillante, alegre y plástica.
- La melodía toma una importancia enorme y se convierte en el elemento básico de esta música. Para encontrar estas melodías se va a recurrir a la música popular, música folklórica.
- Las melodías se construyen de tal forma que reflejan la perfección con frases de ocho compases, o de dieciséis. Es decir se crean melodías enormemente regulares.
- Se pierde el ritmo mecánico del Barroco a favor de ritmos más naturales y variados.
- Se buscan tonalidades fáciles y simples con preferencia de los tonos mayores sobre los menores.
- El Clasicismo se expresa a través de la forma sonata.
Forma Sonata
Una nueva
forma surge en este periodo, aunque con un vocablo ya utilizado en el pasado,
la forma sonata. La sonata clásica no se corresponde en lo formal con la sonata
barroca. Este tipo de forma se convierte
en el primer movimiento de las sonatas para instrumentos solistas, o de
cuartetos y obras sinfónicas tales como conciertos y sinfonías. La
característica más importante es la presencia de dos temas contrastantes, o sea
el bitematismo.
Su
estructura básica es la siguiente:
Sección expositiva o exposición: se presentan el tema A que
está en modo mayor y el B en la dominante, ambos unidos por un pasaje de
transición, llamado puente. La sección expositiva por lo general se repite.
Si el tema A estaba en tono menor
el tema B se encontraba en la relativa mayor. Cuando esto se
replanteaba en la reexposición ambos temas tenían la tonalidad original de
la sonata (por supuesto que no todas las sonatas tenían estas reglas, y
como siempre son muy interesantes las excepciones a ellas)
Sección de desarrollo: es de elaboración. Se suelen
tomar elementos de la exposición o utilizar nuevos de forma libre. A esta
sección le sigue la
Sección de reexposición donde se vuelven a escuchar
los temas A y B unidos por el puente y luego una gran coda final.
El tema con
variaciones
Fue muy
utilizada como obra independiente o en algún movimiento de sonata, sinfonía o
concierto. Consiste en la presentación de un tema al que se le van haciendo
diferentes modificaciones y elaboraciones, en su aspecto rítmico, instrumental, armónico, melódico. Las
variaciones de número indeterminado por lo general conservan la misma estructura sintáctica que el tema original. El tema
puede ser propio o sacado de algún tema popular
Características musicales
La melodía:
La melodía, estrechamente ligada a la armonía es de estilo simple,
simétrico, reiterativo y predecible.
Las frases eran equilibradas no solo
en cuanto a la duración, sino también con respecto a los momentos que generaban
tensión y reposo.
Prevalece un tipo de melodía
frecuentemente estructurada en oraciones de 8 o 16 compases, de dos frases
similares, suspensiva-conclusiva.
La melodía está adaptada a la curva de la voz humana. Aunque
fuera para instrumento la melodía adquiere una particular inflexión, casi vocal
La armonía:
Se utilizan los acordes perfectos
mayores y menores, llamados tríadas, formados por tres sonidos superpuestos en
intervalos de terceras. Cada acorde tiene su lugar y función. Las funciones más
importantes son las que cumplen los acordes de Tónica o primer sonido de la escala (sensación de
reposo), Dominante que es el quinto
sonido (sensación de tensión) y Subdominante o cuarto grado.
La melodía y la armonía están
estrechamente relacionadas. Es común encontrar melodías cuyas notas configuran
un acorde perfecto mayor o menor.
Las modulaciones se efectúan a tonalidades cercanas.
El ritmo:
Se utiliza el ritmo pulsado influido
por danzas y canciones populares. La mayoría de la música fue escrita en
compases de dos, tres, y cuatro tiempos
de subdivisión binaria, o de dos tiempos de subdivisión ternaria. Igualmente se
encuentran ejemplos de ritmo libre en los recitativos de las óperas y en los momentos de las cadenzas de los
conciertos para solista y orquesta
La textura:
Se deja de utilizar el bajo continuo
barroco y la compleja armonía. La polifonía horizontal se reserva para la
elaboración de ideas ya expuestas. Predomina la textura de melodía acompañada.
Se usa el bajo Alberti, que utiliza las notas del acorde en forma de arpegio
Los medios sonoros:
El piano reemplaza al clave y se
convierte en el principal instrumento del clasicismo. El laúd y el órgano caen
de desuso. La música se torna de difícil transcripción, ya que cada vez será
más pensada para su medio específico. En la corte de Mannheim, Alemania, surge
la conformación de la orquesta sinfónica, una agrupación mayor que la orquesta
barroca. Así se distribuían sus instrumentos:
Cuerdas: 22 violines, divididos en
primeros y segundos, 4 violas, 4 chelos, un contrabajo
Vientos:
Maderas: 2 flautas traveseras, 2
oboes, 2 clarinetes y 2 fagotes (maderas por dos)
Metales: 2 cornos, 2 trompetas
Percusión: dos timbales
Con los
colores de la orquesta aparecen los fuertes contrastes entre crescendos y diminuendos y las indicaciones de rallentando y acelerando.
Joseph Haydn (1732-1809)
El hecho más importante en su vida como compositor fue el haber sido llamado para trabajar como compositor de la familia Esterhazy, muy aficionada a la música.
Haydn fue amigo de Mozart, y también como éste pertenecía a la masonería; además conoció a Beethoven (que estudió con él).
Considerado padre de la sinfonía, la sonata y el cuarteto de cuerdas aunque estas formas ya existían, pero él las desarrolló con éxito. De origen humilde, estudió música con un pariente de apellido Frank y luego en Viena.
Entre sus principales obras se puede mencionar:
Sinfonía Nº 31 en re menor (Con la llamada de la trompa).
Sinfonía Nº 45 en fa sostenido menor (Los adioses);
Concierto en re mayor para clave y orquesta Op. 21;
Sinfonía Nº 88 en sol mayor.
Sinfonía de los juguetes.
Sinfonía Nº 92 en sol mayor (Oxford).
Cuarteto en do mayor (Emperador); La creación (oratorio). Las estaciones (oratorio)
